Ein Poesiefilm auf der Grundlage der MAUTHAUSEN-Kantate von Mikis Theodorakis (Musik) und dem KZ-Überlebenden und Gründer des modernen griechischen Nachkriegstheaters Iakovos Kambanellis (Poesie), neu interpretiert von Aristarchos Papadaniel (Gesang) und Aris Zervas (Cello). Die neuen MAUTHAUSEN Aufnahmen waren die letzten offiziellen Veröffentlichungen, die mit der Erlaubnis des weltberühmten griechischen Komponisten und politischen Aktivisten Mikis Theodorakis (ZORBA, Z) nur einen Monat vor seinem Tod im Alter von 96 Jahren 2021 veröffentlicht wurden. In diesem Kurzfilm sehen wir einen Teil der Proben am 14. Mai 2022 vor dem griechischen Memorial in Mauthausen. Die Proben dienten zur Vorbereitung der Live-Performance, die einen Tag später am Internationalen Tag der Befreiung und des Gedenkens an Mauthausen 2022 in Österreich stattfand.

Zum Hintergrund:
4700 Griechen waren in Mauthausen interniert und gefoltert. 3700 starben im Konzentrationslager. 1000 Griechen haben Mauthausen überlebt.

Zwischen 1947 und 1950 wurden mehr als 80.000 Griechen auf der Insel Makronisos (Griechenland) in Umerziehungslagern interniert. Dort sollte „die Ausbreitung des Kommunismus“ bekämpft werden. Unter den Internierten waren zahlreiche Schriftsteller und Dichter, darunter Yannis Ritsos und Tassos Livaditis. Trotz der Entbehrungen und Quälereien ist es ihnen gelungen, Gedichte zu schreiben, die ihr (Über-)Leben in diesem Konzentrationslager beschreiben. Diese Texte, teilweise in Flaschen im Erdboden vergraben, sind später wieder aufgetaucht. Der Film "Wie steinerne Löwen am Eingang der Nacht" mischt diese poetischen Texte mit den Parolen, mit denen die Internierten permanent aus den riesigen Lautsprechern des Lagers beschallt wurden. Lange, fast hypnotisch wirkende Kamerafahrten durchmessen die Ruinen des Lagers und „prallen“ auf Photographien aus den Archiven. Ein filmischer Essay, der die Erinnerungen an vergessene Ruinen und eine verlorene Schlacht wieder auferstehen lässt… Ein Film, der gleichsam beredt und schlicht ist.

ANMERKUNGEN VON REGISSEUR OLIVIER ZUCHUAT
Normalerweise schreibt man Gedichte, um die Natur zu feiern, um Gefühle wie Liebe oder Schmerz auszudrücken. Es gibt aber auch Menschen, die ein poetisches Werk hinter Stacheldraht und unter Folter geschrieben haben. Die Dichter von Makronissos ließen in ihren Texten die Stimme des Widerstands ertönen, Worte von vitaler Kraft. Ihre poetischen Texte erzählen vom Leben der politischen Gefangenen auf der Insel, erzählen vom Terror und vom Überleben in diesem barbarischen Laboratorium, in dem an der „geistigen Umprogrammierung“ der kommunistischen Widerstandskämpfer gearbeitet wurde. Sie lassen uns die ganzen Schrecknisse nochmals nachempfinden und „sehen“ die allgegenwärtige Angst, das endlose Warten, den quälenden Durst, den erschöpfenden Frondienst, das ewige Steineschleppen. Sie erzählen von den Nächten, in denen die Schreie der Gefolterten durchs Lager hallen. Als ich diese Gedichte zufällig bei einem literarischen Treffen zu lesen bekam, erstand diese schreckliche Vergangenheit „vor meinen Augen“ und ich hatte die Idee, die Bilder der Lagerruinen von Makronissos mit heutigen Bildern zu konfrontieren, in diesem Steinhaufen und Betonverbau nach Spuren dessen zu suchen, was damals passiert ist, und das zu unterlegen mit dem Geschrei aus den Lautsprechern, aus denen nationalistische Parolen tönen, und den Photos der Gefangenen. Ein Film der Erinnerung, der versucht gegen das Vergessen zu kämpfen, und zwar in einem Moment, wo der abstoßende nationalistische Eifer in Griechenland eine Renaissance zu erleben scheint…

"We Are the Dinosaur" ist ein Klagelied über den Zustand des Planeten, das sich an ein ahnungsloses Publikum wendet, das scheinbar zufrieden gähnt und seinen Geschäften nachgeht, während der Dichter das Gerichtsgebäude stürmt, dem Anonymen Geschäftsmann ins Ohr flüstert, am Ort der ersten Hauptstadt der Nation eine Kannibalendiät vorschlägt, im Oculus in der Nähe des World Trade Centers die Flucht ergreift und am Times Square gegen die unerbittliche Flut der Menschheit anschwimmt. Mit einer mitreißend-rauen Filmmusik von Marc Ribot, einer energiegeladenen Kameraführung von Regisseur H. Paul Moon und einer überdrehten Performance des Dichters Bob Holman verspricht dieses Gedicht, entweder die seelenlosen Reaktionen der Bevölkerung auf die Klimakrise zum Explodieren zu bringen oder zu einer dekonstruktiven Sprachbombe zu werden, die die Tore zum kommenden Königreich aufsprengt.

Beim Poetry Clip DIKTAT handelt es sich um die multimediale Umsetzung, mittels Bewegtbild-Collagen und found footage sowie grafischen „frame by frame“ Zeichnungen, des gleichnamigen Poetry Slam-Gedichtes von Peter Panisch. Im Kern behandelt DIKTAT das Spannungsverhältnis zwischen Fremd- und Selbstverschulden in einer hyperkomplexen und durch multiple Krisen gekennzeichneten Welt. Als ursächlich dafür beschreibt der Clip die im Schwinden begriffene Verbindung zwischen Mensch und Umwelt sowie zwischen Mensch und Mensch. Er ist zeitlos und gleichzeitig brandaktuell.

Fußboden und Wände des Aufführungsraumes sind so weiß wie die Blätter, auf denen die Texte geschrieben sind. Sind da Steckdosen an der Wand, ist das eine Eisfläche? Der Raum ist konkret und zugleich mehrdeutig. In dem fast leeren Raum lese ich das Gedicht "Ich werfe meinen Schatten", in dem das lyrische ich seinen Schatten beobachtet und dabei vom Dasein in der Welt erzählt. Vom Konkreten zum Existentiellen ist es nicht weit.

sentences basiert auf Sätzen aus dem gleichnamigen Buch von Cia Rinne. In “sentences” kommen die Sätze selbst zu Wort, reflektieren über Sinn und Form, beschweren sich über ihre Verfasser äußern Zweifel am eigenen Vorhaben.

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In der Videoarbeit wird die Autorin selbst zum Satz, der jenen in Miniperformances kommentiert. Hinter der Kamera stand Joakim Eskildsen, die Tonspur entstand in Zusammenarbeit mit Louis McGuire.“sentences” wurde als Künstlerbuch in einer Auflage von 100 Exemplaren bei Forlaget Gestus in Kopenhagen 2019 (Shortlist des Künstlerbuchpreises Prix du livre d'artiste Bob Calle 2021). sentences ist die zweite Videoarbeit von Cia Rinne.

1. Thema: Traum im Traum versus Traum und Wirklichkeit
Ich träume meinen Traum und stehe im Schatten der Wirklichkeit. Spannungsfeld des Träumens. Spannung eines Dämmerschlafs. Status quo, in einem meditativen Zustand des Geistes.

2. Einleitung: ein klarer Anfang und Ausarbeitung
Klarheit und Luzidität: Die Realität des Schlafens und Träumens.
Der Begriff "luzide" bezeichnet den luziden Zustand, in dem sich der Träumende befindet.
In einem luziden Traum weiß man, dass man träumt. Der niederländische Schriftsteller und Psychiater Frederik van Eeden prägte diesen Begriff Anfang des 19. Jahrhunderts, um die Klarheit dieser Art von Traum zu betonen. Im Vergleich zu einem normalen Traum ähnelt der luzide Traum viel mehr der Alltagsrealität. Die Bilder sind konkret, die Farben sind klar, die Geräusche sind deutlich, die Gegenstände sind greifbar.

3. Liebestraum, meine Interpretation von "meinem Traum" in Kurzform
Aus der Sicht eines Kindes wählst du das "Du" in meinen Träumen, denn in meinen Träumen bist du ständig da, und zwar für eine sehr lange Zeit. Träume über die Liebe können Dinge widerspiegeln, die du im Wachleben nicht hast und die du gerne haben würdest. Liebesträume sind in der Regel ein Spiegelbild der eigenen Fantasien und Wünsche. Diese Träume scheinen die einzige Möglichkeit zu sein, das zu bekommen, was man wirklich will. In den meisten Fällen werden Träume über die Liebe durch die Liebe verursacht, die Sie im wirklichen Leben in Ihrem Herzen spüren. Wenn Sie eine Phase der Freude und des Glücks durchleben, kann sich das auch in Ihren Träumen manifestieren.

4. Konzept: Ich bin (singe) in einem Traummodus / Traumstimmung
Mein bewusster Geist: Das Bild meines Bewusstseins. Ist es ein Bild als Spiegelbild, oder ein Traum, in dem ich mich bewusst verlieren will? Ein Stadium des Abschieds ist ein anderes Bild des Seins. Ich komme nicht mehr an das heran, was ich emotional und sinnlich erlebt habe, was so entscheidend dafür war, wer ich bin. Das einst Reale liegt weit weg auf dem Grund eines Spiegelbildes meines Bewusstseins. Es bestimmt mich unbewusst. Eine unerfüllbare Sehnsucht und ich möchte mich in einem Traum verflüchtigen.

THEY WENT TO SEA ist inspiriert von Edward Lears Limerick, The Jumblies. Das Gedicht ist eine Geschichte über Abenteuer und Risikobereitschaft, in der sich eine Gruppe von Menschen aufmacht, die Welt in einem Sieb zu erkunden und sich über konventionelle Weisheiten und Erwartungen hinwegzusetzen. Die Themen des Gedichts können als Metapher für die menschliche Erfahrung der Migration gesehen werden, die oft damit einhergeht, dass man das Vertraute hinter sich lässt und sich ins Unbekannte wagt. Die bildende Künstlerin Yola arbeitete mit der Choreografin Małgorzata Dzierzon und der Tanzkompanie Fertile Ground zusammen, um eine abstrakte Komposition zu schaffen. Die Tänzerinnen und Tänzer bewegen sich im Rhythmus der Musik, umgeben von einem symbolischen Meer, das von einem in Touch Designer erstellten Algorithmus erzeugt wird. Der Algorithmus nutzt die Bewegungen der TänzerInnen und die Frequenz der Musik, um in Echtzeit dynamische grafische Wellen zu erzeugen, die sich bei jeder Aufführung verändern können. Wir können entweder untergehen oder uns über unsere Probleme erheben, und die Reise ist das, was am meisten zählt.

Nachdem ich im Alter von 42 Jahren schwimmen gelernt hatte, war ich fest entschlossen, dass meine Tochter ihr Leben nicht mit der Angst vor großen Gewässern vergeuden sollte, wie ich es tat. Mit diesem Ziel vor Augen schrieb ich dieses Gedicht für sie, aber wie alle meine Gedichte gerieten die Dinge ein wenig außer Kontrolle.

In Imaginings wendet sich eine Gruppe von sechs Performern (Kitchen's Light) direkt an die ZuschauerInnen und erzählt in poetischen Selbstporträts von ihren individuellen und kollektiven Kämpfen und Träumen. Vor dem Hintergrund der Unterdrückung von Gehörlosen und Gebärdensprachen strahlen diese "Gebärdensprachstücke" einer neuen Gehörlosengeneration Selbstvertrauen und Selbstbewusstsein aus. Gleichzeitig evozieren sie die Verletzlichkeit, die mit dem Anderssein einhergeht, und konfrontieren die BetrachterInnen implizit mit ihrer Offenheit. In der Eröffnungssequenz mit geteiltem Bildschirm führen die PerformerInnen die Zuschauenden in ihre Welt, die normalerweise ungehört" bleibt. Imaginings zeigt die Gebärdensprache in poetischer Form und offenbart die Kraft und Schönheit der Gehörlosenkultur für gebärdensprachige und nicht gebärdensprachige ZuschauerInnen gleichermaßen.

Was wäre, wenn man, um die Welt zu heilen, nach Antworten in einer Zeit suchen müsste, in der die Rationalität nicht der einzige Kompass war, dem die Gelehrten folgen konnten? Das Künstler-Duo Nasrine Kheltent und Abdellah M. Hassak stützt sich zusammen mit der Regisseurin Sophie Soukias auf den Tanz der Elemente und die Musik des Universums, um neue Erzählungen zu schreiben, die aber vielleicht nicht so neu sind, wie wir vielleicht glauben möchten.

Unter Mitwirkung der Tänzerin Marah Haj Hussein. Dieser Kurzfilm ist ein Teil der Trilogie '3 Tales of Halaqat'.

„Töchter* die das Gebot der Scham entsorgen.“ Eine Kirche als Performanceort, in der Lust und Verzehr, Macht und Unterwerfung als „Sündenfall(e)“ von einer Schattenfigur und sich bewegenden SchlangenKörpern verkörpert werden. 

Lust, Macht und Scham. Was verbirgt sich dahinter? Was verbirgt der „sündhafte“, gefallene SchlangenKörper? Und was passiert, wenn man an-klagt? Was passiert, wenn Tochter* gegen die Ordnung des Vaters an-klagt?

Eine Videoperformance über Gewalt, Schuld, Scham, Sexualität und Geschlechterrollen mit Wort, Musik und Tanz. Der Text versammelt Gedankensplitter, Fragmente, Miniaturen und Versatzstücke ausgehend von eigenen Erfahrungen als Rabentochter*.

Dieser Poesiefilm nimmt mit auf die Reise des Erwachens einer Frau, er ist eine visuelle Darstellung, die darauf abzielt, den Schritt der Frauen in ein Frausein zu zeigen und zu symbolisieren, das nicht auf dem Fundament des Missbrauchs (körperlich, sexuell, emotional) aufgebaut ist. Am Ende sehen wir eine Frau stehen, die sich im Licht sonnt, frei von der Last, durch ein unterdrückendes Frausein zu existieren.
Idle Worship ist ein Spoken Word Text, der Frauen gewidmet ist, die sich selbst und ihr Frausein (neu) definieren müssen. An dich, Frau: Wenn das Fundament der Frau, die du mit den Skripten des Patriarchats gebaut hast, ins Wanken gerät und die Männer, die du in den Mittelpunkt deines Frauseins gestellt hast, entthront werden, hoffe ich, dass du dich selbst zum König krönst.

Diese zeitgenössische Neuinterpretation eines antiken griechischen Mythos, die in den Sprachen der Poesie, der Musik und des Tanzes erzählt wird, ist eine Geschichte über Konsequenzen und ihre potenziell unermessliche Reichweite. Athene weiß nicht, wie mächtig sie wirklich ist, und Tiresias weiß nicht, wie sich seine Handlungen auf andere auswirken könnten. In einem kurzen Moment, der zwischen den beiden Figuren vergeht, werden diese beiden Wahrheiten aufgedeckt. "What Athena Saw When Tiresias Looked" erzählt den altgriechischen Mythos mit zeitgenössischer Relevanz neu und erforscht Themen wie Einverständnis, Behinderung und Geschlechtererwartungen. Der Film, bei dem Douglas Tyrrell Bunge Regie führte, verwebt Gedichte von Ellen Renton, einen atmosphärischen Soundtrack von Lord of the Isles, und die Arbeit der Tänzer Anu Walters und Douglas Reddan zu einem dynamischen Bericht über zwei junge Menschen, die durch ihre Scham und ihre Fehler miteinander verbunden sind.

Zwei verlorene Seelen in London verbunden durch ein Gedicht in Deutsch und die Frage, wie sie sich begegnen werden.

voll gut voll spät voll arg voll neu

video, text, stimme, sound: jörg piringer

Die Idee für den Film stammt aus Goran Bećirčićs Text "I Want to be Anna Netrebko!", in dem er das Thema Staatsbürgerschaft durch den inneren Monolog des Protagonisten untersucht. Als Migrant, der seit über 20 Jahren in Österreich lebt, weiß er nur zu gut, wie es ist, jedes Jahr sein Visum erneuern zu müssen und nur begrenzten Zugang zum Arbeitsmarkt zu haben. Der Erwerb der Staatsbürgerschaft mag wie eine Möglichkeit erscheinen. Aber Österreich mit seinen restriktiven Staatsbürgerschaftsgesetzen macht dies für die meisten Menschen sehr schwierig. Der Text, der sich mit Sehnsucht, Ohnmacht, innerem Widerstand und erlösender Absurdität befasst, gibt einen Einblick in dieses Thema aus einer unverblümt persönlichen und autobiografischen Perspektive.

Nachdem ihre 15 Minuten Ruhm vorbei sind, treffen sich ehemalige Teilnehmerinnen von Austria's Next Top Model in einem Casting. Gemeinsame Pausengespräche über ihre Erfahrungen in der Reality-TV-Show geben Einblicke in ihre Motivation und ihre Sicht auf eine Industrie, die Schönheit als standardisiertes Konsumgut verkauft. Der Geist der Schönheitsgöttin Venus und Gedichte von Dichterinnen des frühen 20. Jahrhunderts durchbrechen die unterkühlten Bildwelten und maschinellen Abläufe und verweisen auf die unterschiedlichen Auffassungen von Ästhetik in vergangenen Zeiten und einer möglichen Zukunft. Die filmische Interpretation eines gewöhnlichen Casting-Tapes.

Meine Arbeit erforscht die Beziehung zwischen dem militärisch-industriellen Komplex, der Recycling-Kultur und der Welt der Träume. Mit so unterschiedlichen Einflüssen wie Tarkowski und Salla Tykka werden aus einfachen und komplexen Schichten neue Variationen geschaffen. Seit meinen Anfängen als Videopoet bin ich fasziniert von der essentiellen Unwirklichkeit von Bedeutung. Was als Sehnsucht beginnt, verwandelt sich bald in eine Kakophonie des Scheiterns und hinterlässt nur noch ein Gefühl von Nihilismus und den Anbruch einer neuen Realität.

Die typografische Animation zeigt den Krieg als Feind des Menschen.
Das Motiv besteht aus Gedichtfragmenten des lautmalerischen Gedichtes schtzngrmm von Ernst Jandl. Die typografisch dargestellten Motive stehen stellvertretend für den Körper und die Psyche. Herz und Hirn werden von Zischlauten, die an Granaten sowie Schüsse erinnern, zerstört, von Kriegsgeräuschen zerschmettert, die Verbindung zwischen Hirn und Körper gekappt und schlussendlich begraben.
Ein Versuch Ernst Jandls Spiel mit der Sprache mit dem Element des Raumes und der Bewegung zu verbinden.

Die Animation „An Dich“ visualisiert ein Gedicht der österreichischen Philosophin, Dichterin und Schauspielerin Melitta Urbancic, geborene Grünbaum (1902-1984). Sie ist heute vor allem innerhalb der Exilforschung bekannt. 1938 floh sie mit ihrer Familie vor den Nationalsozialisten nach Island.
Das Gedicht richtet sich an den früh in Island verstorbenen Lebensmenschen der Künstlerin, dem Komponisten Viktor Urbancic. Die einfühlsame Musik komponierte die isländische Komponistin Ragnheiður Erla Björnsdóttir.

Der Film ist die Visualisierung und Vertonung eines Gedichts von mir, es handelt von einer vor einigen Jahren real erlebten Vision: Nach einem intensiven Gespräch mit einem Freund über das Weltall und die Entstehung von Leben, sah ich plötzlich in einer Zimmerecke meiner Altbauwohnung grellgelbe Netze schweben – es war ein derart witzig-absurdes Bild, dass mehrere künstlerische Arbeiten darüber entstanden/entstehen.

Holladio hods gsogt" ist ein Musikvideoprojekt, in dem Frauen* zu Wort kommen und Stellung zu Alltagssexismus, Frauenfeindlichkeit und sexueller Belästigung beziehen. Ziel ist es, ein Bewusstsein für die Themen Catcalling und sexuelle Belästigung im öffentlichen Raum zu schaffen.

Das ganze Ausmaß der Globalisierung und des Kapitalismus spiegelt sich oft im alltäglichen Handeln wider.

Ein Mann verlässt jeden Tag seinen malerischen Bergbauernhof, um in der benachbarten Kleinstadt in mehreren Schichten am Fließband bei der Produktion von Artikeln mitzuhelfen, die sowohl in seiner unmittelbaren Nachbarschaft als auch am anderen Ende der Welt extreme Not verursachen können.
Ein Junge, der beobachtet, wie diese Dinge geschehen, und der nicht unempfindlich gegenüber ihren Auswirkungen ist.
Ein mahnender Erzähler, der zeigt, dass die mehr als fünfzig Jahre alten Worte von Erich Fried aktueller und weitreichender denn je sind.

Ein Anagramm ist ein Gedicht, das durch die Neuanordnung der Buchstaben eines anderen Wortes oder einer anderen Phrase entsteht. Das Anagramm in diesem Poesiefilm basiert auf einem Vers aus Emma McGordons Gedicht MAGNETIC: „Die Zunge ist eine Nadel. Und ich bin der wahre Norden. Lügen erzählen.“ An den Ufern der Gili-Inseln legen mehrere gefährdete Meeresschildkrötenarten ihre Eier ab. Stoppen Sie den Klimawandel jetzt.

Mein Beitrag zur Debatte um eine ömpfpflicht in Deutschland.

Ein Bild ist ein Bild ist ein Bild ist ein Bild. Es ist eine Sprache, ein Ausdruck. Kann es eine Stimme sein? Es ist eine Möglichkeit, es ist Macht. Bringt es Verantwortung mit sich? Es ist Abstraktion und Wahrheit. Können wir durch die Entfremdung Schönheit im Schrecklichen sehen? Müssen wir das überhaupt, um vor uns selbst zu treten?

Ein performativer Poetryfilm darüber, was niemand gesehen haben wollen will. Kindliche Papierpuppen und Tableaus in Collagenästhetik zusammengeworfen mit Symbolik von Krieg, Politik und Religion. Ein Gedicht, das auf die Belagerung von Leningrad verweist. Suffragettenfarben, Aileen Wuornos-Glorifizierung, und wunderbare Landschaften kombiniert mit Naziuniformen. Nichts ist unschuldig.

In „Bergpfirsich / Flat Peach“ mäandert ein Ich mit Bergpfirsich und Portemonnaie in Response zu „Pulse“, dem Corpus, der weiß, mächtig, in Röhren und monströs liegt oder „pulst“ und sich einer konkreten Bestimmung als Objekt entzieht: Stoffplanen, industrielle Anmutung, Körperhaftes. „Bergpfirsich“ spricht mit diesem „Pulse“-Objekt in einem dafür erschaffenen Sprachfluss und führt beides zusammen. Sub- und Objekte vertauschen die Positionen und führen ein Eigenleben als Dinge. Das Ich verschwindet, die funktionale Bestimmtheit der Worte wie für „Tür“ und „Fenster“ ebenfalls, der Bergpfirsich und das Portemonnaie bleiben. Und das Geld einer Bäckerin.

Im Begriff zu verschwinden ist ein experimenteller Poesiefilm, in dem minimalistische Gedichte und traumartig-ästhetisierte und expressive Bilder in einen Dialog miteinander treten, eine stille poetisch-philosophische Meditation über Verlust und Vergänglichkeit, Trauer und Tod, Licht und Finsternis, über Sprachlosigkeit und die Notwendigkeit von Sprache, eine melancholische Reise in den Abgrund ‘transzendentaler Obdachlosigkeit’, in dem der Mensch sich selbst verliert.

PERSPEKTIVWECHSEL führt uns weg von uns selbst und hin zu den Flüchtlingen des Jahres 2015. Ihre Gesichter erzählen uns, was mit ihnen passiert ist, sie erzählen von Trauer und Schmerz. Das Gedicht lässt uns in ihre Welt eintauchen und ihren Weg ein Stück weit verfolgen, stellt Fragen und lässt uns mitfühlen.

„D Frou Bovary de Porrentruy“, eine gelangweilte, kaufsüchtige Hausfrau, die dem bürgerlichen Käfig einer jurassischen Kleinstadt durch Online-Dating zu entkommen sucht. 
Ariane von Graffenried erzählt auf ihrer Spoken Word CD "50 Hertz" Geschichten von acht historischen oder fiktiven „Heldinnen“, das heißt von Frauen, deren Geschichten meist auf namenlosen, ungeschrieben persönlichen Geschichten beruhen. Die Texte mischen virtuos Deutsch, Schweizerdeutsch, Englisch, Französisch in Spoken Word-Sprach- und Lautspielen.